作曲方法

旋律

“好听”（符合大众审美）的旋律写作方法：四分句式，起承转合（第三句要有变化）

层次

最简单（符合大众审美）的层次写作方法就是“主次分明”的写作手法：旋律为主，伴奏为辅。

为了丰富乐曲的层次感，可以为旋律声部增加和声，或者写作两条较为独立的旋律，利用对位法写作复调旋律。

与“主次分明”的写作手法相反，也可以使用完全消解主次的写作手法（复调）。以巴赫为代表的复调作品的各个声部具有独立性，但是在和声上保持协和；随着音乐的发展，“好听”不再是一种绝对的标准。就好像现代的视觉艺术也不再追求“美观”“协调”，现代音乐还有一种写法，会保持各个声部具有绝对的独立性，也即在和声上也不协和的。

和声

在主次分明的音乐中，伴奏写作关键在于如何连接不同的和弦，也即如何写作和声进行。

和声进行在流行音乐中的表现最简单。流行音乐用的绝大多数都是协和和弦，并且预测性强（有和声套路）。例如，帕赫贝尔卡农用到的15634145和声进行（利用卡农和声进行的流行音乐举例：《红豆》《如果有来生》《稻香》）以及简化版的1645（以及变形6415,6451等等，主和弦具有最强的稳定性，6415相比于1645会延迟稳定性的到来，增加“悬念”）

古典时期作曲家的和声进行虽然不像流行音乐中那样简单，但也有规律可循。把这些规律总结起来，就构成了“和声学”。

以贝多芬为首的作曲家，已经增加了对不协和和弦的使用。不协和和弦的使用是为了铺垫协和的和弦，这样能够增加音乐的戏剧性：不协和和弦带来紧张的听感，而当不协和和弦解决到协和和弦时，这种紧张感会被释放。听感不断经历紧张感的释放，就是我们常说的乐曲的“张力”。

从古典时期到浪漫时期是一个不协和和弦的运用频率逐渐增加的过程。“浪漫性”某种程度上就是不安、紧张、情绪化这些由不协和和弦营造的氛围。在浪漫音乐发展的过程中，作曲家不断延后不协和和弦的解决，制造持续紧张的听感，这可以看作是浪漫派的主要特征。等到发展到瓦格纳那里，不协和和弦到乐曲最终也没有被解决，使得全曲充满焦虑感。

音乐发展到20世纪以后，作曲家逐渐放弃了所有传统和声学中的和声进行法则，而开始自己发明不协和和弦，自己发明和声进行。不和谐的听感不再是为和谐铺垫，而成为听感本身。

配器

配器就是要把不同乐器的声音进行搭配。这有点像给线稿上色。事实上，不同的乐器有不同的音“色”，在这里我们也用了“色彩”这个词。